Marie, dans vos nombreuses mises en scène au théâtre, l'audiovisuel et les nouvelles technologies sont très présents. La réalisation au cinéma vous semblait destinée. Pourquoi  Le train était l'histoire parfaite pour faire le saut derrière la caméra, plutôt que de le mettre en scène au théâtre?

Le récit ne m'est pas venu d’abord, mais c'est quand j'ai décidé de réaliser un film que j'ai imaginé cette histoire pour le cinéma. Je désirais mettre en scène une enfant en pensant à l’enfant que j'étais, mais aussi, je voulais rendre hommage à ma mère et aux artistes des années 60, des années 70, à l’esthétique inspirante de ces époques et au savoir-faire des personnages. Le train est un film très visuel, et l’objectif d’une caméra permet de s’attarder à des détails signifiants, à orienter le regard du spectateur avec beaucoup de précision. Dans mon travail en général, la forme s’impose souvent d’abord et l’histoire que je désire raconter s’y adapte en s’y entremêlant. L’histoire a donc été façonnée sur mesure pour le cinéma.

Le scénario pour  Le train semble cousu de moments très personnels de votre vie, et de celles de vos proches. Comment avez-vous insufflé de la fiction à tous ces souvenirs?

Il ne s’agit pas d’une chronique ou d’un récit autobiographique, mais bien d’une fiction. Le film est très librement inspiré d’événements de ma vie. Ma mère était artiste et comme beaucoup d'artistes femmes de cette époque, elle a dû renoncer à sa carrière pour élever ses enfants. Elle aurait aimé voyager et vivre de son art mais elle est morte très jeune. Elle aurait sans doute désiré mener la vie que je mène. Il y a cette idée de la transmission dans le film, de la mère à sa fille. Je voulais un peu parler de l'enfant que j'étais, une enfant malade qui a grandi avec l’asthme, et de l’adolescente qui a hérité de cette avidité de connaître le monde. Enfant, chaque soir, au moment de m'endormir, j'entendais la sirène du train qui passait au bout du champ au loin. J'imaginais qu'il y avait là un bûcheron qui était le gardien d'un monde inconnu. J'ai eu envie de développer le riche fantasme de cette enfant que j'étais, et aussi mettre de l’avant un Québec dont nous ne parlons pas souvent: celui des artistes qui avaient un mode de vie singulier mais qui ne sont pas devenus célèbres. J’avais ce désir de parler des marginaux d'une certaine époque, qui n’étaient pas nécessairement stigmatisés et qui parvenaient à vivre en honorant leurs idéaux.

Vous avez déjà dit en entrevue que dans votre vie  «la frontière entre le rêve et la réalité est assez poreuse et mince». La trame narrative du Train évoque à la fois les théories temporelles liées à la physique quantique et la figure du  Shapeshifter, comme en parle si bien le personnage de Frank. Comment avez-vous trouvé le juste équilibre pour composer avec cette réalité magique?

Je pense que l'impulsion de créer, c'est quelque chose de mystérieux et de magique. On ne sait pas trop d'où ça vient et c'est difficile à expliquer. Quand je raconte des histoires, j'essaie d’être à l'écoute de la dimension poétique des choses. La vie elle-même est inexpliquée et inexplicable. Le vertige que cette réalité provoque nous incite à refermer le sens des récits qu’on propose. J’ai tendance à résister à ça, et je ne tiens pas à ce que les fils se nouent à la fin. Je pense que c’est intéressant de laisser le sens des récits ouverts, pour que la dimension magique présente en toutes choses se dévoile elle-même.

Ça m'a frappé à quel point vos personnages sont seuls, mais ensemble. Chacun, chacune semble avoir besoin de ces moments de solitude, moments nourriciers pour mieux entrer en contact avec les autres.

Dans le film, les personnages vivent chacun avec la solitude. C'est probablement ce qui les lie entre eux et qui fait en sorte que la coïncidence de leur rencontre crée quelque chose de très tendre. Parce ce qu'ils comprennent ce que cette solitude implique. C'est un peu l'apanage des êtres marginaux, qui se sentent différents. À un moment dans le film, Agathe dit, «Des fois, j'ai l'impression de venir d'une autre planète.» Dans le film, je voulais parler de ça aussi, de ces sentiments sans doute partagés par plusieurs, nos incertitudes, notre relation avec l'inconnu et de la beauté attirante de tout ce qui est mystérieux.

Il y a beaucoup de bienveillance dans votre film, à travers différents personnages, entre autres ceux de Maurice et du docteur. Pourquoi c'était important pour vous d'avoir de la bonté et de la gentillesse dans cette histoire, des valeurs qui ne sont pas très populaire en 2025?

Je trouve qu'il y a beaucoup de cynisme présentement. L'avènement des réseaux sociaux et la manière dont nous les utilisons, contribuent à cela. Beaucoup de jugements sont portés au mépris de la stigmatisation des autres. Je n’ai pas envie de participer à ça. C’était important pour moi de mettre en scène les sentiments de tendresse et de compassion. J'ai le désir, comme tout le monde, de contribuer un peu par des actes, à inspirer un monde meilleur et des façons de vivre qui sont plus sensibles et innovantes. 

L’art sous toutes ces formes se déploie dans votre film. Il y a de la danse, du dessin, beaucoup de musique et de littérature. Au moment où le monde des arts est plus que jamais attaqué, menacé, d’en montrer les différentes couleurs, ça devenait un geste politique pour vous?

Absolument, tout à fait! Je trouve ça hyper important. J’aime qu’il y ait la transmission de ce savoir. Durant les années 60 et 70 au Québec, les années de mon enfance et de mon adolescence, il y a eu, et il y a encore, de grands artistes qui sont demeurés méconnus, mais qui, par leurs œuvres, par leurs façons d'être, ont favorisé le rayonnement d’une sorte d’ouverture d’esprit et de compassion. Je trouve ça tellement important de dire aux plus jeunes «regardez, on ne vient pas d'un trou. Il n’y avait pas rien avant nous». Il y avait des penseurs, des écrivains, des artistes qui ont réfléchi, qui ont créé, qui ont pensé le monde et qui nous ont permis d’exister aujourd'hui au Québec, avec une ouverture d'esprit admirable et enviable, qu’on a le devoir de préserver. Je pense que les artistes, les hommes et les femmes qui créent dans un médium ou un autre, sont des êtres qui contribuent énormément à favoriser l'ouverture d'esprit, la liberté et l'indépendance. Pour moi, ce film c'est un hommage aux artistes. Plus que jamais, nous avons besoin que leurs voix singulières s’élèvent.

Parlant d’une voix unique, vous avez choisi un puissant extrait d'une entrevue avec l'avocate militante et politicienne Gisèle Halimi, durant l'émission  Femmes d'aujourd'hui qu'animait Aline Desjardins à Radio-Canada en 1976. Elle parle du féminisme comme d'une révolution culturelle. Pourquoi avoir choisi cet extrait?

C'était très important pour moi. Le train est un film féministe qui démontre qu’à l'époque, il y avait cette pensée forte et articulée qui se développait. Je me souviens, quand j'étais enfant, nous écoutions religieusement tous les jours Femmes d'aujourd'hui. À cette époque, il y avait à la télévision des émissions qui s’adressaient principalement aux femmes qui étaient à la maison. C’étaient des émissions où on parlait de musique, de politique, de littérature, de géographie, de tout. C'était extraordinaire parce que c'était nourrissant, exigeant, en plus d’être respectueux de l'intelligence des gens. On y apprenait beaucoup de choses. Et j'ai choisi cette entrevue de Gisèle Halimi qui articule si bien les idées qui étaient mises de l'avant par rapport à l'égalité entre les hommes et les femmes, et la capacité des femmes d'adapter les réalités sociales et politiques à leur manière. 

Parlons de votre équipe. Vous aviez déjà dirigé Larissa Corriveau dans vos créations théâtrales. Pourquoi s’est-elle imposée pour interpréter Thérèse?

Larissa, est une artiste admirable, que j’aime beaucoup. Elle est très polyvalente. Elle fait de la musique, de la réalisation, elle joue, elle écrit très bien, elle a une intelligence fulgurante. Elle est aussi très photogénique et a beaucoup d'intériorité. C’est un choix qui s'est imposé à moi dès le départ. Je savais aussi qu’elle serait une sorte de complice de l’intérieur, dans la création de ce premier film. Et je ne me suis pas trompée. Avec elle et les autres acteurs et actrices, nous nous sommes souvent réunis dans mon studio pour répéter, pour parler ou simplement discuter ensemble, prendre un verre autour d'idées, d'histoires. Je voulais que les acteurs et les actrices se sentent interpellés personnellement, se sentent investis. 

Pour le rôle d'Agathe, que cherchiez-vous comme caractéristiques pour arrêter vos choix sur Thalie Rhainds, qui l’interprète enfant, et Electra Codina Morelli, qui la joue adolescente?

Je cherchais une vérité, une simplicité et un naturel dans le jeu. Il fallait aussi qu'il y ait une certaine ressemblance avec Larissa, que le physique soit cohérent. Et je cherchais aussi la singularité. À cause de leur façon unique de communiquer avec le monde, les personnages du film sont un peu des misfits, des gens qui dégagent une étrangeté. La directrice de casting, Tania Arana, a fait un travail de recherche énorme et j’ai pu grâce à cela, arrêter mon choix. Beaucoup de gens vont être épatés par cette jeune actrice, Electra Codina Morelli, qui joue Agathe adolescente, qui est singulière et formidable de vérité. Elle est plutôt timide dans la vie et dans le film c'est devenu une sorte de richesse qui témoigne de la complexité de son monde intérieur. Elle est aussi très photogénique. Elle me fait penser à des actrices des années 60, comme Geneviève Bujold, des actrices de cette époque-là. Et Thalie qui interprète Agathe enfant, son intelligence et sa curiosité transparaissaient lorsque je l’ai rencontrée. Elle est très professionnelle, et elle apprend vite. Il y a de la gravité et de la profondeur dans son regard et dans son jeu et elle transmet au personnage toutes ces qualités qui sont les siennes. Les deux forment un duo formidable et tout à fait cohérent. 

À la direction photo, vous avez fait équipe avec le talentueux Mathieu Laverdière. Quels étaient vos principales références, le contenu de votre  moodboard, pour qu'il puisse bien comprendre les atmosphères, les éclairages que vous vouliez créer?

Mathieu est venu souvent dans mon studio, nous nous sommes préparés énormément, nous avons regardé des films ensemble et parlé des réalisations qu’on aime pour bien cerner la direction qu’on désirait prendre. J’aime beaucoup par exemple la lumière dans les films de Wong Kar Waï, Masaki Kobayashi et les vieux films en noir et blanc de Maya Deren. On a aussi regardé des livres de photographie et les moodboards élaborés avec Antonin Sorel pour échanger sur les éclairages. Comme j'arrive dans le cinéma, et que je n’avais pas d’expérience comme réalisatrice, Mathieu, faisait un peu mon éducation au niveau de la technique. Il a une vision inspirée et j’ai adoré travailler avec lui, et beaucoup aimé son regard calme et posé. Comme nous avons eu la chance de tourner dans les anciens studios de l'Office national du Film, tous les départements et la production étaient présents au même endroit pendant la période de préproduction et une grande partie du tournage. Le soir, à la fin de la journée de tournage, on avait le loisir de réviser sur place notre découpage pour le lendemain. Le fait d'être extrêmement préparé, nous donnait l'opportunité d'avoir beaucoup de liberté sur le plateau. L’équipe à la lumière était très inspirée et inspirante. J’ai senti tout au long de ce processus que toute l'équipe était très enthousiaste et dévouée au service du film. 

D'autres de vos collaborateurs de théâtre vous ont suivi sur ce projet, Antonin Sorel responsable de la conception artistique et Alexander Macsween à la composition de la musique. Comment avez-vous approché ce nouveau médium dans votre collaboration?

J’ai fait un long travail d'exploration et de recherche avec Antonin Sorel, et Antonin a monté des dossiers d’images avec des références très détaillés. C'est un vieil ami. Nous avons très souvent travaillé ensemble et nous avons des préférences communes. Par exemple, le long métrage Kwaidan, que nous apprécions énormément, nous a beaucoup inspirés pour les scènes dans la forêt. Nous aimons également le travail de photographes tels que Philip-Lorca diCorcia ou Gregory Crewdson. Avec Antonin, je n'avais pas du tout d'inquiétude, parce qu’il a un œil très aiguisé, un goût exquis et un souci du détail. C'est un passionné de cinéma, et de musique aussi. Il a été très présent tout au long du processus. Ce travail a été très semblable à celui qu’on fait ensemble au théâtre. Il y avait aussi notre ami, Alex Hercule Desjardins, qui l'a secondé. Il a travaillé très étroitement avec Antonin. Alex a beaucoup d'expérience et de talent et il est très organisé. Ça a été une très belle équipe. Alexander MacSween est un compositeur doué et polyvalent avec lequel j'ai beaucoup travaillé au théâtre. C'était la première fois qu’il composait la musique pour un long métrage, mais j'avais très confiance en lui. Il écrit pour la danse, pour le théâtre, en plus de faire de la sonorisation et de la conception sonore. Il s’est investi avec beaucoup de passion et a vraiment réussi à faire des propositions qui, en beauté, ont surpassé mes attentes. Je pense que personne ne s'est senti dépaysé, parce que le théâtre tel qu'on le fait avec ma compagnie Infrarouge offre tout ça : la musique, l'aspect visuel, l'aspect textuel. Ce n’est pas quelque chose qui ne nous est pas familier, au contraire. Nous sommes entrés là-dedans comme si nous entrions dans une maison que nous connaissions déjà. 



Aussi, Catherine Chagnon, la productrice, est issue du monde du théâtre, où elle a fait ses études et ses débuts. On se connait depuis très longtemps, depuis l’époque où elle travaillait avec nous en création et en tournée à la régie des costumes et accessoires sur les spectacles créés en collectif sous la direction de Robert Lepage. Elle a aussi conçu les costumes pour deux de mes productions au théâtre, alors elle connait bien mon travail et elle a bien su comprendre mes intentions en m’accompagnant et m’initiant au médium et à toutes ses technicalités sur ce projet qui en a été un de longue haleine. Je lui en suis reconnaissante.

Crédit photo : Laurence Grandbois Bernard